会变脸的自然风景——聊聊西方艺术史中的山水画

说起“风景画”,你的第一印象是什么呢?如果你想起了你爷爷家老餐边柜上,嵌在玻璃画框里,旁边写着“高山流水”或者“宁静致远”的装饰品的话,那么恭喜你,咱们想到一块儿去了!

当然今天我们不会讨论你爷爷家的古董装饰品,而是要仔细的看一看“风景画”到底是什么,究竟在艺术史的世界中扮演着什么样的角色。

早在公元前的古希腊和古罗马时代,风景画就存在于一些壁画作品上。可以说,描绘自然的本能与描绘人物一样, 是根植在人类艺术基因中的一部分。但是历史上风景画的地位却一直比较坎坷。早在欧洲文艺复兴时期,风景画相比于描绘人物的作品,就比较不受待见。而到了18-19世纪的欧洲,古典主义(Classicism)时期,风景画的地位也低于当时最主流的两种绘画主题——历史画和人体/肖像。

不过,如果讨论西方的风景画,古典主义时期的浪漫派landscape painting却是一个绕不过去的话题。事实上,风景画的最初的出现是和人物肖像分不开的。想想看《蒙娜丽莎》,人物背后的背景其实就是landscape painting。到了17世纪左右,越来越多的欧洲贵族开始雇佣画家为他们描绘自己的私人地产和庄园,以此作为一种间接的身份展示和欣赏。于是越来越多单纯的风景画开始出现。

到了18世纪,欧洲的浪漫主义风景画迎来了发展的高峰,其中以几位英国画家的水彩风景画为最。在我们的刻板印象中,西方的艺术注重写实,而东方艺术注重写意;虽然看上去如此,但是即便在西欧风景画中,意象和内涵也是很重要的——很多时候,画面中的“风景”其实并不存在,而所谓的“写实”可能也只是看上去将画面描绘得比较线世纪风景画的主流风格

”,可以简单的理解为用绘画表达“在希望的田野上”的概念。就像上面的Mr. and Mrs. Andrews 所暗示的,很多时候艺术家受雇于贵族来绘制他们的私人土地。作为“地主”,当然希望自己的土地风调雨顺,年年大丰收。所以在这一类风景画中,最常见的意象就是美好的天气,努力工作的农民,以及肥沃高产的沃野。

”,也更有力量感。这种sublimity在风景画中也分为两个类型。第一种类型比较友好,所体现的sublimity是一种类似于“大美”的视觉体验。艺术家通常会运用光线,雾气等等元素来塑造一种“不真实”的氛围,以此来强化自然的神圣性。

第二种体现自然的sublimity的方式更加注重于描绘出一种“令人敬畏 formidable”的自然。虽然主体一般也是崇山峻岭,但是在这类风景画中,大自然显得更加冷峻和不容侵犯。虽然这种风格不能被简单理解为自然风景的“危险”,但是很多画作的确呈现出了一种暗黑甚至于让人不安的风景。而这种风景的“美感”就体现于强烈的感官刺激,以及从画面中得到的对于自然摧枯拉朽力量的想象。

同样,在体现自然的formidability的画作中,海洋也是经常出现的主题。对于海洋世界的未知以及对于风暴,甚至死亡的恐惧也侧面烘托出自然让人敬畏的力量。比如下面这幅《美杜莎之筏》。这幅举世闻名的画作在严格意义上并不能算作风景画。著名的法国画家Géricault是受一则当时震惊了整个欧洲的真实海难事件的启发而绘制了这幅作品。 在这幅作品中,自然的sublimity被诠释得十分精妙——撕裂乌云的阳光暗示着生存的希望,照亮远处地平线人们正在奋力呼唤的船只;而左侧袭来的大浪暗示着尽在眼前的危险,仿佛下一秒就要把这只木筏吞没。

Géricault这位只活了32岁的法国画家,却对后世的19世纪风景画画家产生了深厚的影响,其中不乏著名的风景画大师,诸如J.M.W. Turner。不过同样诞生于19世纪的照相术(照相术的发明真是艺术界的一场大地震!)似乎也慢慢将这种精细的风景画尘封进历史中。19世纪后半叶开始诞生的风景画(以印象派为主)更加侧重于描绘主观的光影和抽象的线条,而这些是照相机无法捕捉的。

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